El Rincón de los Clásicos: "The Killing"

Se dice de Kubrick que no ha dirigido una sóla película mala, pero parece ser que no es cierto, tal como me contó mi amigo Rubén, el director renegaba tanto de su primera cinta, que en cuanto se convirtió en un director importante hizo desaparecer todas las copias, tanto es así que a día de hoy es imposible visionarla, su título es Fear and Desire.
Pero el caso que nos ocupa es todo lo contrario. Ya que para mí se trata de la mejor película del director y eso es decir mucho. Atraco Perfecto o The Killing, es la única cinta, podríamos decir normal, de Kubrick, refiriendonos a temática y argumento.

Basada en una novela de Lionel White, adaptada con un guión de Jim Thompson, la cinta narra la historia de un grupo de hombres con apenas relación entre sí, que deciden dar el golpe del siglo y atracar el hipódromo el día de la mayor apuesta del año.
Cada uno de ellos tiene una finalidad y pertenece al grupo por algún motivo, así como cada uno tiene una personalidad diferente que se irá desvelando a medida que el gran día se acerca.
Kubrick constrye un film perfecto en todos los sentidos. Una trama a la que no le sobra ni le falta absolutamente nada, un guión redondo, donde ninguna frase queda al azar, unos actores sobresalientes en sus papeles, tanto el grupo en cuestión como los secundarios. Y una duración exacta.
Kubrick utiliza un sistema narrativo revolucionario para la época, lo que dota al film de un dinamismo sorprendente. Desde el momento en que te plantean la trama ya sólo quieres saber más y ahí es donde reside el buen cine, en saber dosificar la acción y la información.
Una gran película que de la que beben cientos de films posteriores y que demuestra como se debe hacer cine. Perfecta, de principio a fin.

Críticas de cine: Rock'nrolla 8/10

A todo aquel al que he preguntado sobre esta cinta me ha contestado lo mismo: está bien, pero es más de lo mismo... vale, si, es más de lo mismo y qué? alguien le ha reprochado a Tim Burton que todas sus películas tengan la misma escenografía, música y estructura?o a Ken Loach que siempre utilize la misma temática en sus filmes o a Almodóvar? No, porque eso se llama sello personal y es lo que diferencia a un director de otro. Entonces si nunca lo hemos hecho porque ahora todos se lo reprochan a Ritchie?

Vale, si, es más de lo mismo. Más de mafiosos de medio pelo que se meten en camisas de once varas en cualquier suburbio londinense y que?es más de lo mismo con calidad y sobretodo con estilo. Con estilo, altas dosis de entretenimiento, estupendos personajes y gran banda sonora.

He de reconocer que la cinta empezó decepcionandome, alguna que otra situación inverosimil y un par de gags sin ninguna gracia. Pero es que esta es una película que mejora cada minuto hasta llegar al delirante clímax de la persecución de los rusos.

A partir de la primera media hora disfruté muchísimo de una cinta, que sí, me recordó a Snatch y a Lock and Stock, pero es que esas dos películas son ya de culto y lo único que hice fue agradecer las similitudes.

Hablemos un poco de los actores. Un Gerard Butler muy cómico, perfecto en el papel de gangster de poca monta entrañable, un Tom Wilkinson (Full Monty, Valkiria) impecable en el papel de político corrupto, mezquino y sin escrúpulos, pero sin duda el que más me gustó fue el semi desconocido Toby Kebell, que borda el papel de estrella del rock drogadicto y pirado, sin olvidarnos de Mark Strong (Stardust, Red de Mentiras) en uno de los mejores papeles de la cinta.

En resumen, no sé que espera la gente de un director con estilo propio como Ritchie, y que cada vez que lo ha abandonado la ha cagado pero bien. Esperemos que con su nuevo Sherlock Holmes le quiten este sanbenito.

Rock'nrolla es una muy buena película en su género, ni más ni menos, y te puedo asegurar que te lo pasarás muy bien viéndola y sobretodo te reirás mucho.

Críticas de cine: Mi nombre es Harvey Milk 8'5/10

He de confesar antes de nada que me considero amante de los biopics... Me gusta que me muestren vidas que significaron algo, que fueron importantes por algún motivo, que cambiaron cosas. Me gusta que el cine se nutra de realidad y nos demuestre que no sólo de ficción vive el hombre y que hay historias que no hace falta inventar.

Si encima la cinta está protagonizada por Sean Penn, no lo dudo ni un momento...Aunque en este caso me hizo dudar la dirección del Sr. Van Sant, con quien me enesmisté despues de tragarme su pseudodocumental egocentrico Elephant.

Ahora he de reconocer que Harvey Milk nos reconcilió.

Sorprende y asusta a veces echar la vista atrás, volver la cabeza tan sólo treinta años y descubrir que el mundo era un lugar un tanto horripilante en algunos sentidos. Van Sant retrata ese mundo retrógrado e intolerante de principios de los años setenta con tanta maestría que no puedo más que quitarme el sombrero, un mundo en el que a los homosexuales se les prohibían los derechos civiles tan básicos como el derecho a la vivienda o a un trabajo digno.

Harvey Milk es la historia de un hombre que no se conformó con lo que le había tocado vivir, que decidió, no hacer entender a nadie sus motivaciones ni sus gustos, sino obligarles a otorgarle un derecho que por nacimiento le pertenecía, el derecho a ser respetado.

Para valorar la actuación de Sean Penn aconsejo a todo el mundo que nada más ver la película le eché un vistazo a las imágenes de archivo del verdadero Milk, sólo así se puede ser consciente del increíble trabajo que ha hecho el norteamericano para mimetizarse con su personaje, cada movimiento, cada gesto, cada inflexión de la voz, es alucinante.

La cinta de Van Sant es sin duda lo más cercano y fiel que una película podía ser al respecto. El retrato que hace de un San Francisco convulso y en pie de guerra es simplemente impecable. Supongo que esto tiene mucho que ver con la facilidad con que el director acerca sus películas al documental sin serlo realmente. La utilización de imágenes de archivo hasta el punto de no utilizar ni siquiera una actriz para uno de los personajes sino continuamente la original, no hace sino que introducirte más aún en la película y en atmósfera.

Ya hemos hablado de Sean Penn, pero hablemos ahora de Emile Hirsch y de James Franco y por qué no de Josh Brolin, los primeros enormes en sus actuaciones, sobretodo Franco al que deberían dar urgentemente un papel preotagonista, lo está pidiendo a gritos, Brolin correcto en su papel de bailar con la más fea aunque ni mucho menos tanto como para merecer una nominación por secundario. El único que chirría o más bien espanta de grotesco es Diego Luna que se pierde y se empantana en una actuación histriónica y ridícula que a veces te llega hasta a sacar un poco de la película. Incomprensible.

Estamos ante un magnífico biopic, pero sobretodo ante una gran película, que hará que te muerdas las uñas de impotencia y que sientas por lo menos una vez no haber nacido en una época en la que todavía había tanto que conquistar.

Críticas de cine: Crows Zero 7/10

Bueno a estas alturas no creo que haga falta decir que Miike es uno de mis realizadores favoritos, entre otras cosas por su imaginación y su versatilidad, pero sobretodo por hacer siempre lo que le viene en gana sin tener en cuenta absolutamente ningún canon cinematográfico ni las tendencias actuales del cine, si quiere hacer algo, lo hace y punto.

Esta vez el japonés ha sido el encargado de adaptar a la gran pantalla uno de los mangas más famosos de Japón y lo ha hecho como debe hacerse, sin ningun límite y encorsetamiento, sería hipócrita pedirle eso a una adapatación cimentogáfica de un comic nipón.

Crows Zero nos cuenta la historia de un instituto masculino, un isntituto dominado y jerarquizado por las bandas. Ahí nadie estudia, lo importante es formar parter de una pandilla y reventar a las demás hasta conseguir ser los números uno, algo que nadie ha conseguido por el momento. Los protagonistas, lógicamente son dos cabecillas, uno el actual "matón de los matones" y un aspirante. Ambos con sus respectivas pandillas detrás.

La cinta es una sucesión de leches y de peleas multitudinarias muy bien coreografiadas. Pero Miike además le imprime un estilo a sus personajes casi irresistible.

A parte de a la continua lucha por el poder, asistiremos también a los distintos conflictos personales de los personajes, lo que le da más profundidad a la cinta y la aleja de una simple película de tortazos. E incluso llegado un momento, creeremos estar asistiendo a una de Yakuzas creciditos.

Estupendos secundarios y una acertada banda sonora, la convierten en una candidata a pelicula de culto entre los jóvenes nipones.

Digamos que estamos ante la revisión de "West side story" a lo japones. No te defraudará, pero tampoco la encumbrarás. Entretiene y divierte, que es de lo que se trata.

Ahora sólo queda saber de parte de quién estas...

Críticas de cine: Soy un Cyborg 7/10

Como no podía ser de otra manera retomaré mis críticas con el último trabajo del surcoreano Park Chan Wook (a la espera del estreno de "Thirst").

I'm a Cyborg but that's Ok o Soy un Cyborg como se ha traducido en España, es la primera incursión de Chan Wook en la comedia romántica, bueno y en la comedia en general. Aunque nos quedaríamos muy cortos y seríamos muy injustos si definieramos esta cinta como alguna de esas dos cosas. Porque sea lo que sea es una película de Park Chan Wook y eso debería ser un genero por sí mismo.

La cinta nos cuenta la historia de una chica, que un día sin más cree ser un cyborg e intenta conectarse a la corriente introduciendose unos cables a través de las venas para recargarse. Esto automáticamente la lleva a parar a un psiquiátrico. Y aquí empieza el alucine. La galería de personajes que pueblan la institución mental no tiene desperdicio. Una especie de Alguien voló sobre el nido del cuco amable,colorida y edulcorada.

Pero nuestra protagonista tiene un problema, no quiere comer, ya que los cyborgs no se alimentan de la misma comida que los humanos, así que ella se dedica a chupar pilas para recargar su energía, lo que la lleva a enfermar. Nadie es capaz de hacerla entrar en razón. Y ahí entra en escena uno de los personajes más bonitos y amables de los últimos años. Un interno capaz de robar cualquier cosa, desde la suerte para ganar al ping pong hasta el arrepentimiento o la piedad. Este curioso "ladrón" se enamorará de nuestra cyborg y hará lo imposible para ayudarla.

Así contada quizá no parezca gran cosa, pero es que la fuerza de este filme reside en sus imágenes, aquí es donde esta vez Chan Wook nos deja boquiabiertos. Los colores, la fotografía y la escenografía son tan maravillosas, que sólo por eso merecería ver esta película. Pero es que además es un cuento, un cuento precioso, pero no empalagoso, sencillo y mágico, que te hará sonreír cada dos por tres.

A su vez el director reivindica la locura, la sencillez, la mágia y sobretodo nos recuerda que el hecho de crecer no tiene porque conllevar una falta de imaginación y de creencia en la magia.

Una fábula colorista y optimista, absurda y surrealista, pero con escenas memorables, como la de la mariquita o la del megatrón de arroz.

Si le pongo un siete y no un diez es porque en ocasiones el ritmo flojea y se hace demasiado lento, quizá le hubiera ayudado suprimir unos minutos del metraje. Aún así merece mucho la pena, aunque aviso a los que hayan visto otras cintas del autor de que esta no tiene nada que ver con nada de lo que haya hecho antes.

En resumen, Chan Wook nos vuelve a sorpender y se muestra capaz de manejar un género tan redicalmente alejado de su filmografía.

Críticas de cine: Breath 7/10

Bueno, pues como está mandado y para fomentar la venta en dvd de cine asiático ayer me compré Breath de Kim ki duk y nada más llegar a casa me la puse, ya que no me había dado tiempo a verla en el cine. Como dije en la crítica de Samaritan girl no ha llegado el día en que el surcoreano me defraude, y no lo hizo tampoco con su última película, aunque con mucho dolor en el corazón he de decir que Ki Duk está perdiendo un poco de fuelle. Quizá sea debido a que ultimamente siempre se mueve por los mismos ambientes cinematográficos y sus películas empiezan a provocarte un cierto de ja vú, en este caso hacia Hierro 3. Una mujer descubre que su marido le es infiel y en vez de reaccionar y enfrentarse a su marido decide visitar a un condenado a muerte que ha visto en televisión y termina enamorandose de él, a su manera, a la manera de Kim Ki Duk. El recluso le corresponde y se establecerá entre ellos una intensa relación de pasión y dependencia vital.
De nuevo Ki Duk nos embarca en la historia de una amor imposible, probablemente el más imposible de todos, con unos personajes al límite, de nuevo outsiders del mundo real, que crean su universo paralelo al nuestro. Esta vez son los celos los sentimientos analizados, distintos personajes, distintos celos, pero celos al fin y al cabo. De nuevo un protagonista mudo, el mejor de la cinta sin duda y es que ahí donde mejor se mueve el realizador, en el mundo de los silencios cargados de significado. Una protagonista un tanto piradilla pero que nos enternece con sus ocurrencias y una atmósfera que se asemeja al fondo de un pozo, donde se hace dificil respirar pero desde donde aún se puede ver la luz del sol.
Si te gusta el surcoreano, te gustará, pero yo a estas alturas empiezo a necesitar más de un director que es capaz de hacerte estremecer por dentro sólo con la ayuda de un plano fijo.

Críticas de cine: Samaritan girl 8/10

Aún no ha llegado el día en que Kim Ki Duk me defraude. Lo más cerca que estuvo de ello fue con Bad Guy y aún así no lo consiguió del todo.
En Samaritan Girl una vez nos adentramos en el universo Ki Duk, para el que hay que estar preparado y abrir muy bien los ojos y la percepción para captar todo lo que subyace bajo cada fotograma.
Samaritan Girl es la historia de un padre y una hija, aparentemente con una vida normal. Él la ama profundamente y ella, adolescente rebelde, busca purgar un pecado de la manera más dolorosa, cometiendolo una y otra vez. Cuando el padre, policia, descubre de casualidad lo que está haciendo su niña, se embarcará en un viaje oscuro y tormentoso que le llevará primero al desconcierto, después a la ira y finalmente a la locura.
Sentimientos nunca pronunciados, dolor, culpa, venganza, justicia, decepción, arrepentimiento.
Ambos fingen seguir teniendo una relación normal entre ellos y el padre se debate entre el profundo a mor que siente por su hija y la rabia y la impotencia que siente hacia ella. Una vez más Ki Duk no hace concesiones y lanza a sus personajes al abismo con las actuaciones que eso conlleva, el surcoreano no entiende de medias tintas ni eufemismos. Nos muestra las emociones directamente de donde proceden, del corazón y las entrañas, sin pasar por el filtro de la razón.
Te dolerá cada minuto del metraje, aunque podrás mitigarlo con la acertada banda sonora.
Maravillosas actuaciones como siempre y final severo y alejado una vez más de la autocompasión.

Críticas de cine: 13 Tzameti 7/10

Bueno pues no sé ni por donde empezar con esta película, lo haré por el principio.
La primera media hora es de la más aburrido que he visto en mucho tiempo, lenta, un poco absurda y desconcertante, me recordó al peor Godard, pero si cometemos el error de quitarla en ese momento nos perderemos una de las cintas mas desasosegante, original y despiadada de los últimos años.
Rodada enteramente en blanco y negro y con un ritmo y una imagen que se acerca mucho al falso documental.
El debutante Géla Babluani nos introduce muy sabiamente y con mucho realismo e inteligencia en el descarnado mundo de las apuestas que tienen como protagonistas a los seres humanos. Gente con dinero, aburrida y sin escrúpulos se reune en una casa abandonada, donde todo está perfectamente organizado, para apostar su dinero por pobres diablos que intentan salvar sus deudas arriesgando sus vidas. No voy a desvelar más detalles del guión, porque sería estropear el pastel. Pero se trata de una gran película. Sobretodo la última hora, de lo más trepidante que he visto. Te dejará con la boca abierta. Así que dale una oportunidad que no te arrepentirás.

Críticas de cine: Dead or Alive 6/10

Takashi Miike es uno de los directores del panorama actual internacional más interesante y versátil, es capaz de trabajar cualquier género y reinventarlo una y otra vez, convirtiendo cada una de sus cintas en la menos convencional del género. Los comienzos de Miike estan sobre todo anclados en el cine negro policiaco, a mi personalmente de todas sus películas son las que menos me gustan.

Dead or Alive, primera de una trilogía, no es una excepción a la originalidad del director. Una trama de mafias chinas y japonesas de gatillo fácil, tres bandos distintos, a cual más sangriento y sin escrúpulos, chinos, japoneses y policias.
Los siete primeros minutos del film son un ejemplo del mejor montaje cinematográfico, brutal, dinámico, epiléptico...
El mayor problema que le veo yo a la película es la trama en si, demasiado compleja y enrevesada, a veces te pierdes entre tanto mafioso vengativo. Personajes un tanto estereotipados y un ritmo un tanto lento, sin contar las escenas de acción, ahí Miike echa el resto.

Uf, pero mención especial para el final, ja, ja, ja, imposible, genial, absurdo, ridículo, buenísimo, malísimo, Miike en estado puro.

En resumen una de las cintas más flojas de Miike pero que aún así tiene pinceladas de su genialidad particular y que hará las delicias de los amantes del cine de acción sangriento y brutal.
Me compré la trilogía del tirón así que supongo que acabará viendo las otras dos y ya os contaré, aunque me da la impresión que serán más de los mismo.

Críticas de cine: El patio de mi cárcel 7/10

Bueno, bueno, hoy y si que sirva de precedente voy a comentar dos películas españolas seguidas.

La debutante Belén Macías nos presenta un drama carcelario femenino de manual, de los de toda la vida. Y eso es más o menos lo bueno y lo malo de esta cinta. No nos enseña nada nuevo, pero lo que ya hemos visto muchas veces antes esta muy bien realizado y mejor actuado.
Veronica Echegui, perfecta en el papel, es Isa una madre heroinómana que se dedica a atracar bancos hasta que la encaloman y la meten en la cárcel. Allí conocerá a otras reclusas en similar situación con las que entablará fuertes relaciones de amistad y cariño.
Por otro lado está Candela Peña, enorme como siempre, una funcionaria novata amante del teatro que creará un taller con las reclusas contra viento y marea.
Bueno pues ya lo tenemos todo, historias personales, taller de teatro, algo de violencia y la necesaria dosis de drama.
Lo mejor de la cinta, sin duda las actuaciones. Lo peor, que esto ya lo hemos visto más veces. Pero si eso no nos importa entonces disfrutaremos de una cinta efectiva, que nos hará reir y llorar a partes iguales.
Si quieres verla ya puedes darte prisa porque en Madrid sólo la echan ya en los Cines Princesa.

Críticas de cine: Camino 9/10

Javier Fesser que nos tenía acostumbrados a comedias de lo más delirantes se pasa esta vez al drama más desgarrador y nos demuestra que quien ama el cine no distingue de géneros y nos deja sin duda una de las películas del año.
Mucho se ha hablado ya de "Camino", bien pues todo lo que hayáis oído es poco.
Increíble, brutal, desgarradora, tristísima y perfectamente realizada. No voy a contar el argumento porque a estas alturas todo el mundo lo conoce.
Fesser realiza uno de sus mejores trabajos con este drama. Un retrato claro y directo del Opus Dei en España. Horripilante y a la vez valiente. Me imagino que los opusinos se estarán rasgando las vestiduras.
Fesser nos presenta La Obra, eufemismo de secta, como es en realidad, medieval, manipuladora, absurda, absorbente, ridícula, pero sobretodo horrible. Encierran a sus "hermanos" en un mundo ajeno a la realidad, les recluyen, les separan de sus familias, les sacan el dinero, les comen el cerebro con cuchillo y tenedor todo en nombre de las pamplinas más absurdas que uno se pueda imaginar.
En la cinta es la madre la encarnación de esta abominación, una madre que renuncia a sus hijos, uno detrás de otro, en nombre de Dios y de la Orden, y que llega a hacer cosas espeluznantes para ello, frente a un padre agnóstico que se siente impotente y perdido y que no se ve capaz de luchar contra ello y contra toda la comunidad de opusinos que les rodea.
Mención a parte para Nerea Camacho, Camino, que nos regala una actuación increíble y sorprendente.
Pero Fesser no deja a un lado el mundo de fantasía e imaginación al que nos tenía acostumbrados sino que aqui lo refleja en los sueños y pesadillas de Camino que alimentan y complementan la película a la perfección.
La cinta es una profunda reflexión sobre el amor y la muerte, que caminan de la mano todo el metraje. Al final no sabemos qué es más importante si la enfermedad de la niña o su primer amor.
En resumen una película bellísima y espeluznante a la vez, que te hará estremecer en cada fotograma.

Inspirada en la historia real de Alexia Gonzalez Barrios.

Críticas de cine: Cometas en el Cielo 7/10

Dos días después de terminar de leer la novela de Khaled Hosseini, que me gusto mucho, me alquilé la película no muy convencida. Y es que no he tenido muy buenas experiencias con las adaptaciones cinematográficas de libros, ahora estoy esperando o temiendo, no se, Tokyo Blues de Murakami.
Después de verla he llegado a una conclusión muy clara sobre ella. Hay dos maneras de analizar esta película, desde la perspectiva de adaptación del libro y como película en si.
Voy a empezar con la primera:
Como adaptación la cinta es un fiasco total, Foster no es capaz ni por asomo de plasmar en la pantalla las emociones del protagonista y de los demás personajes, que son el leiv motiv de la novela y las que le dan significado. Con el desconocimiento de esas emociones la película se queda coja y a veces se hace incomprensible o da lugar a malentendidos con los personajes. Aunque los cinéfilos de pro no sean muy amantes de las voces en off esta película la pedía a gritos.
Otro fallo garrafal es no darle a la relación de Hassan y Amir de niños la importancia que se merece, es la base y la causa de todo lo que sucede a lo largo de la novela. En la cinta frases importantísimas y llenas de significado y sentimiento se ven forzadas, como metidas con calzador. ¿Era importante meterlas? pues nada las metemos aquí mismo y ya está, sin crear ninguna atmósfera a su alrededor, sin convertirlas en los pilares de la cinta, que es lo que deberían ser.
Otro apartado es la elección de actores, ninguna queja para los niños, aunque Hassan se come a Amir con patatas. ¿Pero Baba?, demasiado occidental, demasiado impersonal para un personaje como ese, por no hablar de el amigo de Baba, que ahora mismo no me acuerdo de como se llama, creo que requería un actor con más fuerza emocional, con menos cara de mezquino.
En resumen, si ves la película y no has leído la novela, no entenderás ni la mitad de las cosas, porque el director acelera el tempo narrativo y lo pausa en momentos erróneos, da demasiada importancia a cosas que no la tienen y poca a las verdaderamente significativas. Tendrás una visión muy sesgada de lo que Hosseini quería transmitir y apenas podrás profundizar en la historia.

Ahora como película independiente del libro, ninguna queja. Gran fotografía, buenas actuaciones, buena banda sonora a manos de Alberto Iglesias y una historia que te parecerá emotiva y más que suficiente.

Por desgracia es mucho más lo que subyacía bajo las letras de Hosseini.

Críticas de cine: A Bittersweet Life. 8/10

Bueno, pues por fin he visto esta película, tres meses después de comprarla en el Amazon británico. Y la verdad es que me ha molado mazo. La historia en si no es muy original:mafioso repudiado y perseguido por su misma banda busca venganza contra todo y contra todos. Pero hay muchos aspectos que hacen de este film una buena película. Lo mejor probablemente el protagonista,un mafioso completo, con traje de Armani y que pega leches como panes, carismático y muy elegante y que comienza siendo un fiel lacayo con algunos escrúpulos y termina siendo un salvaje sanguinario por necesidad. Lee Byung -Hun llena la pantalla con su presencia y lo más importante, cae bien consigue con facilidad empatizar con el espectador.
La película me recordó en muchos aspectos a Old Boy, los planos, la banda sonora, la violencia, pero se diferencia lo suficiente como para agradecer esas similitudes.
Una cinta de mafiosos coreanos, con sus coches caros, sus trajes negros, sus hoteles de lujo y bastante sangre y violencia y es que la mafia mola y si es oriental pues mejor.
Las escenas de lucha están perfectamente coreografiadas y dato curioso no vemos un arma hasta el último tercio de la película, pero si peleas y palizas con las manos desnudas.
En resumen una gran película, de las mejores, sobre la mafia y un entretenimiento puro.
Ya lo vengo yo diciendo desde hace tiempo, el mejor cine actual se realiza en Corea del Sur y sino tiempo al tiempo.
Lamentablemente no está editada en España. En Amazon se puede conseguir en coreano con subtítulos en inglés.
El director Kim Ji Woon ( "Dos hermanas) acaba de estrenar "El Bueno, el Feo y el Raro".

Friki Movies

Esta semana pasada he sacrificado un par de títulos de cine oriental y los he cambiado por dos de la colección L'atelier 13, "Lo mejor y lo peor de la ciencia ficción" y es que sus portadas son tan sugerentes que es dificil no acabar echándoles un vistazo.
Para esta vez he elegido "Surgió del fondo del Mar" y " Tarántula!" .
Rodadas en los años 50 las dos pertenecen a esa corriente de películas de monstruos gigantes asesinos provocada por la obsesión y el miedo a las armas nucleares.

"Surgió del Fondo del Mar" 1955 8/10


Un submarino nuclear queda atrapado en el fondo del océano porque algo se engancha en sus hélices, cuando consiguen llegar a puerto descubren que se trata de una extraña y viscosa materia que llevan al laboratorio. Dos biólogos contratados por el ejercito llegan a la conclusión de que se trata de un tentáculo gigante. A partir de ahíy tras una ardua lucha de los biólogos para que el ejercito dote de credibilidad su conclusión, se tratará de destruir al monstruo que se acerca peligrosamente a la bahía de San Francisco.
Una película de monstruos al uso, con su suspense, sus ataques, su historia de amor típica de un clásico, pero sobre todo con el encanto de la época y con la nada desdeñable animación del maestro Ray Harryhausen.
Como anécdota, es curioso observar como todavía vivíamos en una sociedad mayormente machista y la película aboga claramente por la igualdad del hombre y la mujer encarnada por la bióloga marina y una escena inolvidable entre el compañero de esta y un oficial del ejercito.
Una cinta dirigida por Robert Gordon , que surgió como muchas otras a partir del clásico "El Monstruo de los tiempor remotos", algo así como el Godzzila occidental, que refleja claramente la incertidumbre y el miedo del ser humano en los mismos albores del nacimiento de la energía nuclear y que hará las delicias de cualquier amante de la ciencia ficción clásica.

"Tarántula!" 1955 7/10


Un grupo de científicos se encierra en un laboratorio para crear un nutriente que acelere el crecimiento de los alimentos con el fin de terminar con la hambruna mundial. Para ello realizan experimentos sobre diversos animales e incluso sobre si mismos. Un día tras la deformación y posterior muerte de uno de los científicos y una discusión entre los otros dos, el laboratorio es pasto de las llamas, algunos de los animales mueren calcinados pero otros consiguen escapar.
En el pueblo comienzan a suceder cosas extrañas, personas que desaparecen, inexplicables accidentes de tráfico, del ganado por las mañanas sólo quedan los huesos...
Jack Arnold, especialista en este tipo de cintas que después dirigió "El increíble hombre menguante" y " Vinieron del espacio exterior", entre otras, dirige una película muy entretenida, con unas buenas dosis de suspense y con un monstruo realmente horrendo y espectacular, aunque esta vez no es Harryhaussen quien se encarga de animarlo y eso se nota, los movimientos de la bestia son impecables en todos sus aspectos pero le falta nitidez al contorno, aún así es un prodigio para la época. Convertida con los años en una película de culto, se puede decir que es la madre de todas las películas de insectos asesinos que han ido apareciendo despues.

Cine con mucho encanto en ambas películas, ninguna llega si quiera a los 90 minutos, y las dos incluyen en los extras un episodio de la mítica serie "Tales of Tomorrow".
Un cine al que ya no estamos acostumbrados, despues de tanta Motion Capture y tanta animación por ordenador, pero que merece mucho la pena recuperar y recordar como eran los albores del cine actual.

La joya del mes: La Gran Guerra Yokai 9/10

Bueno, pues llevaba mucho tiempo pendiente de ver esta película pero nunca me animaba del todo, su baja calificación en Filmaffinity, un 6'2, y el hecho de que en la portada la calificaran de familiar, me echaba un poquito para atrás, pero el lunes finalmente me decidí a echarle un vistazo, y lo primero que hice nada más verla, fue ir a FA y ponerle un 10, si un diez redondo y perfecto.
Esta cinta demuestra que Miike es sin duda el director más versátil que ha dado el cine en muchos años, tan pronto rueda un thriller sangriento y ultraviolento, (Ichi the Killer), como un drama onírico y existencial (Big Bang Love Juvenile A), una comedia musical (La Felicidad de los Katakuri) o una de las mejores películas de aventura y fantasía que yo haya visto nunca, que no es otra que la joya de este mes (La Gran Guerra Yokai).
Tadashi es un niño de 10 años que pasa una temporada en el pueblo de su abuelo, siendo como es un niño urbanita Tadashi desconoce las tradiciones y leyendas populares japonesas tan arraigadas en la población rural. Una noche acude al festival del nombramiento del Jinete Kirin, aquel que miles de años atrás empuñó una espada legendaria para derrotar al demonio de la montaña y encerrarle allí para siempre. Para su asombro y el de todos los presentes el elegido de este año no es otro que Tadashi, que no le hace mucho caso al nombramiento hasta que su abuelo le habla de la espada legendaria que ahora le pertenece a él y que está encerrada en el corazón de la montaña del demonio. Tadashi decidirá demostrar a todo el mundo que no es un cobarde e irá en su busca. Pero mientra él se aleja, un espíritu demoníaco ha vuelto a la vida y está aprovechando el rencor que sienten los objetos inanimados al ser abandonados por el hombre y está trasnformando a los pacíficos Yokai, espíritus y duendes bondadosos en terribles máquinas de matar que destrozarán pueblos y aldeas hasta llegar a la capital del rencor, Tokio.
Que locura, no?
A partir de ahí asistimos pasmados a una procesión de los personajes más originales y delirantes que hayamos visto jamás, cientos, miles de ellos, algunos ya los hemos visto antes en cintas de Miyazaki, como en El Viaje de Chihiro y La Princesa Mononoke. Cada escena es si cabe más sorprendente que la anterior, Miike abre el grifo de la imaginación y deja que esta se derroche, te inunde y te maraville. El director se embebe de las leyendas tradicionales de su pais y crea la obra más original que te puedas imaginar, cada escena es un golpe de magia y fantasía, con un poderío visual pocas veces alcanzado antes.
Pero esta no es una película familiar, ni mucho menos, ya que algunas escenas son tan tétricas y oscuras que provocarían pesadillas a los niños durante semanas.
Realmente disfrute muchísmo viendo esta peli y más de una vez me di cuenta de que llevaba demasiado tiempo con la boca abierta y se me estaba empezando a secar, literalmente.
Una mezcla explosiva entre La Historia Interminable, Alicia en el País de las Maravilas y El Viaje de Chihiro pero con un personalidad propia y con toda la magia visual que se podría esperar de una mezcla así.

Críticas de cine: La Patrulla de la Montaña 9/10

Entre 1960 y 1990 la población de antílope tibetano descendió más de un 97%, pasando del millón de ejemplares a menos de 10.000 debido a la caza furtiva indiscriminada. En 1993 un grupo de civiles organizó "La Patrulla de la Montaña" para perseguir y detener esta masacre.
En 1996 un perdiodista de Beijing viaja hasta el Tibet para escribir un artículo acerca de esta patrulla.
Esta es la historia que nos cuenta la película, basada en hechos reales.
El periodista acompaña a Ritai, líder de la patrulla, y a sus hombres, a los confines del mundo, en una persecución sin tregua, un juego del gato y el ratón por lugares apenas transitados por el hombre, "Cualquier paso que des en estas montañas puede ser el primero que ha dado el hombre". Gayu, pronto descubre que el valor de estos hombres es todavía mayor del que creía, ya que apenas tienen fondos y han de costearse el trabajo ellos mismos, hombres que abandonan todo lo que tienen y se adentran en lo más profundo de Himalaya, conscientes de que siempre cabe la posibilidad de que la montaña no les deje volver con vida.
Es dificil conseguir voluntarios que quieran formar parte de la patrulla y muy pronto descubrirá por qué. Y es que en su lucha en favor de la vida deberán luchar contra un enemigo mucho más cruel y letal que los mismos cazadores, la montaña, que puede convertirse en una trampa mortal, incluso para quienes mejor la conocen,árida, seca, helada y deshabitada a lo largo de cientos de kilómetros.
Gayu será testigo de que la obsesión Ritai es tal que perderá las ataduras con la realidad y será capaz de abandonar compañeros y detenidos a su suerte con tal de no perder tiempo y alcanzar a su objetivo.
Por otro lado asistirá a diversas detenciones de aldeanos, que anteriormente fueron pastores pero que debido a la desertización de los pastos no tiene más remedio que colaborar con los furtivos. pues es la única fuente de ingresos que pueden encontrar en aquel lugar abandonado de la mano de dios, lo que le hará darse cuenta de que las cosas no son tan sencillas como parecen a primera vista y de que para esa gente, aún conocedores del mal que realizan, su supervivencia está por encima de la de los antílopes . En la montaña pronto se diluyen el sentido de la justicia y la fina barrera que separa el bien del mal desaparece en cuanto te adentras en sus llanuras y la ley del hombre, no es otra que la de su supervivencia.
Una película brutal y árida, una batalla a muerte entre los hombres y contra la naturaleza, un enemigo infinitamente más dificil de vencer. Un claro ejemplo de la cantidad de distintos matices que puede albergar una situación. Pero sobre todo el retrato de una obsesión.

Las Tortugas También Vuelan 9/10

El Blog de Kikujiro estrena colaboradora, Rachel, que aquí nos deja su primera crítica, ¡esperemos que no sea la última!.

No me gustan las películas bélicas. Nada. Siempre me ha parecido irreal ver a un montón de soldaditos jugando a ser valientes. A mí lo que más me tira es conocer cómo vive una guerra la población civil. En Las tortugas también vuelan, el director kurdo iraní, Bahman Ghobadi, cuenta precisamente esto: las consecuencias ( realistas y cargadas de detalles) de una guerra, la de Irak apunto de estallar en un campo de refugiados kurdo.

El que maneja el cotarro aquí es un niño al que llaman Satélite. Él es el encargado de colocar la antena que les permitirá tener televisión en el pueblo y, además, es el único capaz de traducir lo que dicen los informativos occidentales sobre la guerra que se avecina. Satélite dirige una especie de ejército de niños que le obedecen con ciega fe y trabajan para él desactivando minas. Vestido con una gorra y cargando todo el día con una bici tres mil veces mayor que él, este líder nato tiene un elevado sentido de la moralidad, del bien y del mal, y lo dará todo y más por sus pequeños súbditos que son tambien su familia. Quienes no le obedecen son dos hermanos: el uno, manco y adivinador, la otra, su hermana, siempre cargando con un niño muy pequeño y medio cegato. Ellos no forman parte del juego de los otros niños. Son (o intentan ser) independientes en un mundo en el que si no formas parte del grupo lo tienes aún más difícil (si cabe).

La película te arrancará sonrisas en bastantes momentos y se te caerá la baba con esos niños pecosos tan monos y que viven esa vida tan tan perra sin quejarse nunca, enfrentándose a problemas de adultos y resolviéndolos como buenamente pueden... Y llorando, sólo, cuándo ya no pueden más... Y eso que la guerra no ha hecho más que empezar.

(Rachel H. para el Blog de Kikujiro.)

Críticas de cine: El Pañuelo Amarillo de la Felicidad 8/10

Hasta ahora en España de Yoji Yamada sólo conocíamos dos títulos y ambos de cine épico samurai "El Ocaso del Samurai" y "Hidden Blade", y "Love and Honor" que terminaría la trilogía y está pendiente de estreno en dvd. Pero hace unos meses Notro Fils tuvo el acierto de editar unos de los títulos más premiados de su extensa filmografía "El Pañuelo Amarillo de la Felicidad" de 1977, protagonizada por dos de los actores nipones más populares de la época Ken Takakura ("La Búsqueda" de Zhang Yimou, "Yakuzza" de Syndey Pollack, "Comando en el Mar de China" de Robert Aldrich) y Tetsuya Takeda y galardonada con numerosos premios, entre ellos el Blue Ribbon Award al mejor director, película, actor y actriz secundaria, asi como el Premio de la Academia de Japón al mejor actor, director, película, guión, actor y actriz secundaria.

Estamos ante una road movie al uso , entretenidísima y que se disfruta de principio a fin.
Un joven, harto de su barrio de Tokyo decide viajar hasta la isla de Hokkaido en busca de aventuras y de libertad, por el camino conoce a una chica que tras un desengaño amoroso viaja sin rumbo fijo, juntos conducen hasta una playa y allí se encuentran con Fusaku, un hombre taciturno e introvertido. A partir de ese momento los tres compartirán el viaje, que les llevará por toda la costa y que les deparará distintas situaciones que acabará por unirles de una manera especial. Los jóvenes sospechan que Fusaku les oculta algo, ya que nunca es muy claro sobre los detalles de su vida. Finalmente descubrirán que cuando le encontraron acababa de salir de prisión tras cumplir condena por homicidio, entonces él les cuenta que ha enviado una postal a su mujer anunciándole su vuelta, si ella le espera colgará en la entrada un pañuelo amarillo sino es así, Fusaku deberá abandonar la casa para no volver jamás.
A partir de ese momento los viajeros ya tienen un destino, aunque a los jóvenes les cuesta convencer a Fusaku de que tiene que ir a su casa y descubrir la respuesta de su mujer.
Sin duda una de las mejores road movies que he visto nunca y que probablemente inspiró algunas posteriores como el "Verano de Kikujiro" de Takeshi Kitano.
Con las necesarias dosis de comedia y de drama para ser perfecta, Los personajes muy bien definidos y profundos, irán desvelando a medida que el metraje avanza su verdadera personalidad y terminarán encontrando entre extraños a las personas perfectas para ayudarles a componer sus deshechas vidas. Además es una ocasión perfecta para viajar por todo Hokkaido y conocer los paisajes costeros de la isla.
Los tres actores realizan un perfecto duelo interpretativo, así que no podría decir cual de ellos lo hace mejor, luego está la estupenda fotografía, el tan disfrutable guión y muchas cosas más que hacen de esta película un título altamente recomendable para cualquiera, además de ser una cinta muy adecuada para iniciarte en el mundo del cine oriental, eso si, hay que verla en versión original subtitulada, como siempre habría que hacer, doblada pierde muchísimo.

La joya del mes: El Rey de las Máscaras 8/10

La joya de este mes es una película china maravillosa que me compré el otro día por 5'95 euros, hacía mucho tiempo que le había echado el ojo en la tienda y al final me decidí a llevarmela, unos 6 euros muy buen invertidos.
Se trata de "El Rey de las Máscaras" de Wu Tianming de 1996.
Un anciano artista callejero al que llaman el rey de las máscaras por su destreza y habilidad para intercambiarse una máscara detrás de otra en cuestión de segundos de manera que parece magia, necesita un descendiente que herede su arte ya que este no se puede enseñar ni a extraños ni a mujeres, finalmente y temiendo morir llevándose el secreto a la tumba decide comprar un niño, si, comprarlo, la escena de la venta es desgarradora, los padres abordan desesperados a los desconocidos para vender a sus hijos por menos de lo que cuesta una botella de vino.
Tras descartar a unos cuantos, unos por ser muy pequeños y otros por ser niñas, se decide por un niño de 6 años al que apoda "Pichón".
En seguida se establece entre ellos una tierna y profunda relación de cariño, como la de un abuelo y un nieto, provocada por la mutua necesidad de ambos de compañía y el calor de otro ser humano. Todo parece perfecto, pero "Pichón" esconde un "terrible" secreto, es una niña. El anciano no tardará en descubrirlo y en abandonar a "Pichón". Ahí comienza la parte más dramática de la película, con escenas profundamente tristes y desgarradoras. Pero el destino ha unido a estas dos personas y en esas cosas nunca se equivoca.
La cinta a parte de mostrar una bonita historia es una abierta crítica a la sociedad china y su repugnante machismo. Tanto la ambientación como la escenografía son excelentes, así como la banda sonora.
Una pequeña película china, que una vez más es una joya.

Zombies alternativos 6/10

Hoy voy a hablaros de una peli francesa muy original que vi el año pasado "La resurrección de los muertos" de Robin Campillo.

Cientos de muertos recientes resucitan de sus tumbas de manera espontánea sin motivo aparente, pero esta vez no lo hacen sedientos de sangre humana, ni babeando, ni haciendo ruidos tétricos y desagradables, sino que regresan a sus hogares a retomar su vida en el punto donde la habían dejado, pero no son personas normales, apenas hablan, son inquietantes, extraños e imprevisibles y sus seres queridos se debaten entre la alegría del reencuentro y la estupefacción y el recelo ante su actitud. Los resucitados parecen carecer de empatía y sólo parecen entenderse entre ellos, pero eso no les impide hacer una "vida normal", vuelven a sus trabajos, utilizan el transporte público, comen, duermen, viven...
Sin duda una de las premisas más orfiginales de los últimos años. Pero lamentablemente una buena idea no levanta 100 minutos de metraje y estamos ante la típica problemática de argumento interesante-desarrollo fallido. La película camina lenta y muchas veces incomprensible. A estos muertos no hay quien les entienda.
A pesar de eso no deja de ser un ejercicio interesante y fascinante, lo que a pesar de sus sopor transitorio algo tiene la cinta que te obliga a verla hasta el final.
Con un guión mejor construido y un mejor desarrollo del argumento estaríamos ante una gran cinta de cine filosófico- fantástico, lástima que no cuaje del todo.